还有一些图

对了 先介绍一下彼得沃克！
彼得•沃克是一位在实践和教学上有40多年经验的风景园林师，他所关注的范围相当广泛：从小型庭园的设计建造到城市和大量的新社区的规划和设计。然而他的工作和思索主要是针对中等规模区域的问题：大学校园、公司总部、城市广场及类似的公共广场以及旧城的改造。在他的这些工作中，他所研究的不仅仅是功能性的解决之道，而且还要设计出不同的户外空间，使其对区域内的居民来说具有特殊意义和纪念价值。
在创立了东海岸SWA事务所后，沃克先生又开设了公司的西海岸分部，后来这个分部在1975年成为了SWA集团。作为公司的主要成员、顾问和主席，沃克使得SWA集团成为了一个以出色环境设计而誉满全球的多行业综合机构。1983年，他建立了一个小型的事务所以便自己更好地与顾客合作。
彼得•沃克还是公共机构和政府机构的顾问和专家，这些机构包括：旧金山重建管理局、圣迪亚哥港务局、斯坦福大学、华盛顿州和加利福尼亚州的大学以及罗马的美国学院。在哈佛设计研究生院，他是主管风景园林学科的主任，也是城市设计专业的主任，他是美国风景园林师协会会员、城市设计协会会员，他还获得了美国建筑师协会的荣誉奖章。
在日本、法国、德国、西班牙、墨西哥、菲律宾等许多国家的项目，给了沃克及他的伙伴和工作小组在更多种的地理条件和文化的氛围中实施他们城市主义和环境设计的想法的机会。
沃克和他的事务所赢得了大量的设计竞标，其中包括加利福尼亚康科得(Coneord)的托多斯•桑托斯广场(Todos Santos Plaza)的改建、圣迪亚哥的马丁•路德•金海滨大道的改建、与BOOR／A建筑事务所合作的加利福尼亚弗利蒙(Fremont)文化艺术中心、与贝聿铭建筑事务所合作的华盛顿州的联邦三角区、与C．W．Fentress／J．U．Bradburn建筑事务所及Civitas风景园林师事务所合作的内华达州克拉克郡政府中心、与墨菲／扬建筑有限公司合作的柏林索尼中心、与艺术家卡恩(NedKahn)合作的格林机场公共艺术竞赛、与SOM建筑事务所合作的中国工商银行等。事务所同时还是在“将巴黎的轴线延伸到德方斯西部”竞赛最后一轮中美国设计组中的成员。
彼得•沃克参与编写的题为《看不见的庭园：对美国园林中现代主义的研究》(Inbisible Gardens：The Search for Modernism in the American Landscape)的著作，追寻了美国现代园林的历史。

播摩科学花园城

马尔伯勒街屋顶花园

高级生物医学研究所

与大地对话的彼得沃克的艺术

当代人工景观的分类一直都很特别地与建筑学有最直接的联系。在这种背景下，园林“设计师”常常沦为建筑师设计的建造物周边或之间的空间规划师，而这些建造物是景观环境中最容易辨识的视觉重心。在当今一些大学中，建筑与风景园林常常共存于相同的院系之中，而园林从早期与农业或园艺学院的联系中脱离出来。然而，论述设计景观与庭园的传统语汇都来自于建筑或园艺。
研究园林设计师彼得•沃克的作品，采用园林与庭园评论的传统标准就会有一定的局限性。尽管沃克的很多优秀作品都注重通过设计创造园林景观的“可视性”(Visibility)，他也呼吁园林作为一个独立学科专业领域应该有与视觉艺术、表演艺术、建筑相适应的学科位置与专业地位，但是与其他艺术专业相比，风景园林现存的评论文献仍是十分欠缺的。
沃克的设计风格可以追溯到一些源泉，这些源泉尽管零散，但是在逻辑上相互关联。像秘鲁的纳斯卡巨画(NazcaLines)和英格兰的石环这些大地上最原型和原初的遗迹，表明了人类标记大地的本能和集体的冲动。在沃克的大部分作品中都不难见到一种与更大环境的交流、对与天地神秘现象相联系的意识与要求的揭示、对巨大自然力的暗示等最基本的人类渴望。作品注重反映自然的神秘，例如通过运用水的声音、石头的凝重、风的侵蚀变化、色彩多变的图案、雾的变化、莫测的光线。
同样，17世纪法国庭园，特别是勒•诺特尔的庭园中的古典秩序是沃克园林设计要素的重要源泉。在他的作品中经常表现出对图案、节奏、秩序以及迪卡尔几何的综合所显示的直觉与智慧。
日本禅宗庭园的影响也很明显。在他设计的许多庭园中，无论是个别的设计要素还是统一的整体都不难找到从复杂中抽象提炼出精华，以达到追求简洁这样一种最基本的设计哲学。
沃克的作品也扎根于现代园林的进步与发展中。作为一名设计师，他一直对同时代的园林设计发展义不容辞地进行阐述与褒扬。20世纪中期庭园营造者，特别是野口勇等人的作品，使沃克在他成长的时期受到很大的启迪。为了认真地考察沃克园林的成功及其意义，它们在当代文化中的地位，以及他的思想、他的作品与艺术之间的持久不断的对话，为了能在当代文化背景中理解沃克的设计，分析20世纪重要艺术发展也许就是最直接、最有成效的方法。
20世纪早期充满了艺术、科学和文化的变革，为整个20世纪的探索指引了方向。新视野的核心就是视觉艺术中纯粹抽象(pureabstraction)所具有的先锋性，即艺术不再参照或模仿任何真实与具体的景物景象；相反，以其自身的独立和抽象形式，成为一种彻头彻尾的表现与探索工具。隐藏在大多数原创作品中的几何，特别是早期俄国构成主义的几何形体，是一种为了更直接的切人、揭示和描绘人类孜孜以求探索宇宙神秘的努力，也是一种对人们经历过的、但又不可能用传统写实手法解释的现象进行沉思和理解的方式。
平面与立体艺术从再现的束缚中解脱出来，可以像音乐一样自由。例如不需要有意去再造一种特定的、公认的经历，而可以给艺术家和欣赏者一种新的自由，一种超越意识层面的反应。
法国艺术家杜尚的作品是20世纪初期这种革新精神的一个典型例子。杜尚抛弃无论是具体的或是抽象的事物的美和意义，将艺术家的活动领域延伸到了一种纯粹精神的、非视觉的艺术，并且为艺术家对艺术定义行使自主权而振臂高呼，拓宽了艺术创作的范畴。通过模糊艺术分类的边界和将不论是非艺术般的物体还是思想都视之为艺术，杜尚为艺术家创造了超越传统绘画和雕塑的新领域，至今仍然被探索并引导着许多艺术实践。
抽象主义以及杜尚概念艺术实践的突破与社会、政治和文化影响一起似乎为20世纪中叶逐渐形成的“极简艺术”(minimalan)奠定了具有历史意义的根基。自从1960这一重要的年代以来，极简主义(是否是第一个真正的美国艺术仍有争议)已经成为一个使用不严格的、包含很多门类艺术的术语，它被引入文化，指那些非比喻的、无参照的、几何的或仅仅是少而简单的风格。
但是，极简艺术一词的创造是为了说明和区分大约在1963—1968年这样一个非常特别的年代，当时一些主要在纽约市从艺的独立艺术家，例如贾迪(DonaldJudd)、弗莱文(DanFlavin)、勒维特(S01LeWitt)、莫里斯(RobertMorris)和安德烈(CadAndre)等举办了一个小型作品展。这些艺术家的作品反映了一种与传统艺术相去甚远的哲学思想基础：艺术家的主要意图是创造物体，使这些物体占据空间并且能为也同样占据空间的观者接近地去感受，产生一种“无法复制的交流”(unreproducible communication)。
作为空间物体的素材是极简艺术的主题与内容，必须为观赏者所直接感受和切身经历。为了达到以最直接的方式创造一个原初物体以产生原初经验，极简艺术追求一种还原的方法和结果。
因为艺术的“内容”是物品和环境与观者的关系，这些作品几乎常常不被认为是“形式主义的”：尽管它们有明确的形

我现在发现,画家比较合适做园林!!
尤其是一些现代画作者!呵呵~~~~~~~~~

给人的视觉享受太好了

彼得·沃克和玛莎·施瓦茨都是极简主义的代表。
我个人更喜欢玛莎的作品。
材料的运用永远是门艺术啊。

一般建筑书店里都有他们作品的介绍的书籍，
看这类东西有好处的。